Gli automi musicali erano dei congegni meccanici, spesso di forma umana, in grado di eseguire dei brani. Il '700 fu letteralmente affascinato dagli automi e ne vennero costruiti di tutti i tipi. E’ il secolo in cui Jacques de Vaucanson passò alla storia per aver realizzato tra il 1737 e il 1741 una serie di automi che si muovevano grazie ad un sistema di pesi, canne e leve. La sua creazione più celebre raffigurava un suonatore di flauto in grado di eseguire con il suo strumento undici melodie differenti. Riscosse un grande successo popolare una sua anitra capace di imitare perfettamente i movimenti reali dell’animale, di beccare del grano e, tramite una soluzione chimica, di "metabolizzarlo" in maniera del tutto simile a quella naturale.

Anche qui, la volontà di animare figure antropomorfe, di renderle più simili all’uomo, quasi a riprodurre il mito della genesi, ha radici che si perdono nella notte dei tempi: i primi automi di cui abbiamo notizia furono costruiti dai greci e utilizzavano l'acqua in caduta come sorgente di energia.

I più celebri e straordinari oggetti di questo genere giunti fino a noi sono quelli di Pierre Jaquet-Droz, costruiti tra il 1768 e il 1774 da questo orologiaio svizzero e dal figlio, oggi visibili al Musée d’Histoire di Neuchatel.

Si tratta di tre personaggi, due bambini e una giovane donna. Il primo, chiamato Charles, rappresenta uno scrivano, può scrivere, infatti, un messaggio lungo fino a quaranta lettere, andare a capo, lasciare spazio, intingere la penna d’oca nel calamaio. Il secondo, Henry, detto il disegnatore, può eseguire quattro diversi schizzi a matita: un bambino con una farfalla, un ritratto di Luigi VX, i profili di Giorgio III e della moglie Charlotte di Mecklenberg e, per ultimo, un cagnolino. Il terzo automa è forse il più affascinante: si tratta di una vezzosa giovane intenta a suonare un organetto a canne. Realizzato nel 1773 da Henry-Louis Jaquet-Droz è in grado di eseguire cinque melodie differenti seguendo con gli occhi la tastiera. Inoltre "respira" tramite un sistema di mantici che le fa alzare e abbassare il petto, e compie tutta una serie di movimenti del capo che ne accrescono l’effetto di notevole realismo. Il suo nome è Marianne, a ricordo della giovane e defunta moglie di J. Droz.

A Seewen (Svizzera) esiste il Museo degli automi musicali che ospita la più grande ed importante raccolta d'Europa. Tra i 400 strumenti meccanici e automi musicali vi è anche il più grande organo da fiera esistente.

Museo degli automi musicali

Automa musicale di Roengten (1784)

Automi di Jaquet-Droz restaurati

Edouard-Leon Scott de Martinville, a Parigi, creò il "fonoautografo" che incideva le onde sonore su un cilindro su cui era steso uno strato di carbone, grazie a uno stilo collegato a un diaframma che veniva messo in vibrazione dai suoni.

Questo dispositivo, però, non registrava veramente il suono, ma solo una immagine grafica dell'onda sonora. Esso costituì, tuttavia il punto di partenza per numerosi altri studiosi che capirono che, una volta registrata l'onda sonora, si trattava 'solo' di trovare il modo per riprodurla. A questo scopo, Helmholtz si indirizzò verso l'elettromagnetismo e Bell fu il primo a usare un elettromagnete per far vibrare un diaframma (come i coni delle casse acustiche attuali).

Chi arrivò per primo al traguardo fu, però, Edison.

Edison registra la voce umana ("Mary had a little lamb") mediante solchi incisi su un cilindro di stagno che ruotava grazie a un motore elettrico. Il fonografo fu brevettato nel 1878.

Negli anni seguenti altri inventori cercarono di migliorare il prototipo di Edison apportando varianti tali da giustificare altri brevetti (non si brevetta l'idea, ma l'oggetto). Nel 1885, Bell e Tainter brevettarono il "grafofono" che usava cilindri ricoperti di cera, mentre, nel 1887, Berliner creò il "grammofono" che incideva un disco al posto del cilindro.

Quest'ultimo fu il primo ad arrivare alla produzione di massa nel 1888 con un disco di 7 pollici che girava a 30 giri/min. (2 min di durata). Ma, solo un anno dopo, Edward D. Easton fondò la Columbia Phonograph Co. con l'idea di commercializzare un sistema a cilindri.

Era l'inizio della lotta "cilindro contro disco".

Taddheus Cahill brevetta il Telharmonium (conosciuto anche come Dinamofono) che sarà costruito nel 1906. L'enorme apparecchio genera segnale audio attraverso un sistema di ingranaggi/ruote foniche fatti ruotare di fronte a una batteria di bobine elettromagnetiche (questo principio verrà utilizzato, molti anni dopo, per la realizzazione dell'organo Hammond).

L'articolazione del suono è semplicemente on/off, pilotata da una tastiera musicale convenzionale (poi due nelle revisioni successive). Il segnale così generato viene diffuso agli abbonati attraverso linea telefonica; per amplificare meccanicamente le vibrazioni della cornetta, si applica all'apparecchio ricevente un padiglione metallico. Il tutto pesava fino a 200 tonnellate, in base al numero delle dinamo e quindi delle note simultanee.

Dopo infinite cause per i disturbi arrecati alle normali conversazioni telefoniche, la società di Cahill fallisce e lo strumento viene abbandonato.

Nel 1903, in Europa, si vendono dischi da 10 pollici (circa 25 cm, durata 4 minuti) di artisti famosi come Caruso. Viene registrato l'Ernani, di Verdi, su 40 dischi. Si realizza un prototipo di disco inciso su ambo i lati.

orchestrare idealmente insieme il fragore delle saracinesche dei negozi, le porte sbatacchianti, il brusio e lo scalpiccìo delle folle, i diversi frastuoni delle stazioni, delle ferriere, delle filande, delle tipografie, delle centrali elettriche e delle ferrovie sotterranee

"L'arte musicale ricercò ed ottenne dapprima la purezza la limpidezza e la dolcezza del suono, indi amalgamò suoni diversi, preoccupandosi però di accarezzare l'orecchio con soavi armonie. Oggi l'arte musicale, complicandosi sempre più, ricerca gli amalgami di suoni più dissonanti, più strani e più aspri per l'orecchio. Ci avviciniamo così sempre più al suono-rumore.
Questa evoluzione della musica è parallela al moltiplicarsi delle macchine, che collaborano dovunque coll'uomo. Non soltanto nelle atmosfere fragorose delle grandi città, ma anche nelle campagne, che furono fino a ieri normalmente silenziose, la macchina ha creato oggi tanta varietà e concorrenza di rumori, che il suono puro, nella sua esiguità e monotonia, non suscita più emozione."

"Attraversiamo una grande capitale moderna, con le orecchie più attente che gli occhi, e godremo nel distinguere i risucchi d'acqua, d'aria o di gas nei tubi metallici, il borbottìo dei motori che fiatano e pulsano con una indiscutibile animalità, il palpitare delle valvole, l'andirivieni degli stantuffi, gli stridori delle seghe meccaniche, i balzi dei tram sulle rotaie, lo schioccar delle fruste, il garrire delle tende e delle bandiere. Ci divertiremo ad orchestrare idealmente insieme il fragore delle saracinesche dei negozi, le porte sbatacchianti, il brusio e lo scalpiccìo delle folle, i diversi frastuoni delle stazioni, delle ferriere, delle filande, delle tipografie, delle centrali elettriche e delle ferrovie sotterranee."

Lev (Leon) Theremin, russo, inventa l'Eterofono, uno strumento musicale elettronico più noto con il nome dell'inventore, "Theremin".

Lo strumento veniva suonato in modo non tradizionale: era controllato tramite due antenne, avvicinando e allontanando la mano da un'antenna, disposta verticalmente, si variava l'intonazione mentre tramite l'altra, disposta orizzontalmente, si controllava la dinamica.

Vari compositori utilizzarono questo strumento, incluso Varèse.

Il theremin è tuttora molto popolare. Ne vengono costruiti anche oggi (una versione moderna è prodotta da Moog) ed esistono molti siti dedicati a questo strumento.

Theremin suona il suo strumento

Stefan Wolpe utilizza 8 grammofoni in scena nel corso di una performance dadaista. In realtà si trattava di una provocazione da parte di un Wolpe diciottenne.

I grammofoni suonavano tutti la V Sinfonia di Beethoven, ma a velocità molto diverse. Nel 1962, alla Long Island University, lui stesso descrisse la performance come segue:

George Antheil compone il Ballet Mècanique (prima esecuzione nel 1926), una composizione per pianoforti a rullo, motori di aerei, percussioni meccaniche e campane elettriche.

Nato come colonna sonora, eseguita dal vivo, del film omonimo di Ferdinand Léger (cinema cubista), ma eseguito anche come opera a sè stante.

Derivate direttamente dal theremin (Martenot le realizzò dopo il suo incontro con lo stesso Theremin), le Onde Martenot hanno maggiori possibilità espressive e uno spettro sonoro più ricco.

Come controlli, dispongono sia di una tastiera che di un controllo di frequenza continuo. Hanno, inoltre, un controllo di volume a pressione.
Questi sistemi fanno sì che l'altezza e la dinamica possano essere controllate con notevole precisione, rispetto al theremin. Di conseguenza molti compositori (ovviamente soprattutto francesi) le usarono e le usano tuttora (esistono circa 1200 brani). In rigoroso ordine alfabetico, citiamo Boulez, Bussotti, Dutilleux, Honegger, Jolivet, Martinu, Messiaen, Milhaud, Murail, Ravel, Varèse.
Le Onde Martenot sono entrate anche nella popular music, grazie ai Radiohead.

Approfondimento:
Teorema di Shannon-Nyquist

A Berlino, Friedrich Trautwein (1888-1956) mostra il "Trautonium", uno strumento musicale elettronico a sintesi sottrattiva che permette di ottenere anche sonorità più "sporche" e complesse rispetto agli strumenti precedenti.

Il trautonium è privo di tastiera. L'altezza viene controllata con una corda che entra in contatto con una striscia metallica orizzontale (nello stesso modo degli archi, con la differenza che la tastiera è orizzontale). Esistono, però delle linguette che indicano la posizione delle note.

Trovò un esecutore in Oskar Sala (1910-2002) che lo migliorò, creando il Mixtur-Trautonium e lo utilizzò praticamente per tutta la vita.

Hindemith scrisse per questo strumento.

Leon Thermen sviluppa il Rhythmicon per Henry Cowell

Apre la EMI con il più grande studio di registrazione al mondo.

Lo studio era situato in Abbey Road (vi ricorda qualcosa?), in un edificio in stile georgiano, acquistato dalla EMI nel 1929, ristrutturato ed inaugurato il 12 novembre del 1931 con la storica registrazione nello Studio 1, di Land of Hope and Glory, scritta da Edward Elgar che dirigeva la London Symphony Orchestra.

A partire dal 1970, il nome fu cambiato in Abbey Road Studios.

Yevgeny Sholpo realizza il Variophone con l'assistenza del compositore Georgy Rimsky‐Korsakov.

Ennesima creazione russa, il Variophone era un sintetizzatore ottico che leggeva onde sonore su un disco di cartone in rotazione sincrona con una pellicola a 35 mm. Le onde venivano filmate (trasferite su pellicola) per produrre suoni continui. Poi la pellicola veniva proiettata come un normale film e le onde erano lette da una fotocellula, amplificate e inviate a un altoparlante.

Theremin realizza il Terpsitone.

Si trattava di una estensione del theremin costituita da una piattaforma con alcune antenne. Un danzatore, muovendosi intorno e fra le antenne, controllava il suono, generato secondo lo stesso principio del theremin.

La musica diventa di massa. Nel 1934 Wurlitzer distribuisce il jukebox multiselezione: arriverà a installarne 300.000 nel 1939.

Nascono le Hit Parade (la prima nel '35, sponsor: Lucky Strike).

Le radio trasmettono musica: nasce la figura professionale del disk jockey.

AEG commercializza il registratore magnetico monoaurale Magnetophon K-1.

L'anno successivo, BASF introduce il primo nastro magnetico su supporto plastico.

Oskar Sala perfeziona il Trautonium di Trautwein e realizza il Mixtur Trautonium.

Il design dello strumento originale si arricchisce di "misture" di sub armoniche processando per divisione il suono dell'oscillatore principale presente per ciascuno dei due manuali; inoltre, viene implementato un raffinato sistema di filtraggio band pass multiplo. La scelta delle misture avviene, oltre che da pannello comandi, attraverso la traslazione laterale dei due pedali di espressione.

Il MixturTrautonium è principalmente bifonico (una voce per ciascun manuale), ma sfruttando gli intervalli tra le subarmoniche generate può dare l'impressione di polifonie parallele.

Con questo strumento, Oskar Sala realizzò, fra le altre cose, gran parte degli effetti sonori nel film Gli Uccelli di Alfred Hitchcock.

1.     Premières fusées
2.     L'eau
3.     Les fusées
4.     L'eau
5.     Les fusées
6.     L'eau (à son maximum de hauteur)
7.     Superposition de l'eau et des fusées
8.     Feux d'artifice final

John Cage compone Imaginary Landscape 1 utilizzando un giradischi a velocità variabile con dischi su cui erano incise frequenze di test.

Nel '39 non esistevano ancora gli studi di musica elettronica, ma esistevano dei dischi che riportavano incise delle frequenze sinusoidali fisse a scopo di misura (per es. per tarare i trasmettitori radiofonici).

Cage usa 2 di questi di questi dischi piazzati su giradischi a velocità variabile in modo da ottenere molte altre frequenze e anche glissati, semplicemente variando la velocità di rotazione del piatto.

Il computer australiano CSIR Mark 1 (poi denominato CSIRAC, per Council for Scientific and Industrial Research Automatic Computer), il quarto mai costruito ed il quinto a incorporare il concetto di programma memorizzato, risulta essere lá prima macchina digitale a sintetizzare musica.

Il brano tradizionale Colonel Bogey venne eseguito durante la prima computer conference australiana.

I dettagli dell'esperimento sembravano essere perduti, ma la storia è stata tramandata (vedi approfondimento).

Harry Olson e Herbert Belar sviluppano il Synthesizer RCA Mk I.

La RCA Corporation investe ingenti capitali con l'obiettivo di affittare l'apparecchio ai produttori musicali che vogliano realizzare, senza "errori umani" le proprie composizioni.

Il sistema prevede una duplice linea di generazione sonora a tre voci, con articolazione, vibrato e variazione timbrica; la programmazione degli eventi musicali e delle timbriche avviene attraverso rullo continuo di carta perforata.

Jacques Poulin inizia lo sviluppo del Phonogene, del Morphophone e del Pupitre d'Espace.

Il fonogeno e il morfofono permettono la trasposizione immediata dell'intonazione e di durata di un segnale precedentemente registrato su nastro magnetico: attraverso la variazione diretta del rapporto tra velocità di scorrimento del nastro e velocità di rotazione del tamburo a testina multipla, il musicista può prolungare arbitrariamente - o intonare diversamente - una qualsiasi registrazione sonora.

Con il banco di spazializzazione, il musicista può vettorializzare in tempo reale l'ascolto del suono, spostandolo da sinistra a destra, e/o da fronte ad elevazione.

Cage compone Imaginary Landscape 5. Il materiale di base è costituito da 42 dischi qualsiasi. La partitura, scritta mediante operazioni casuali, è una serie di istruzioni per la scelta e il montaggio del materiale fonografico.

La prima realizzazione è stata curata da David Tudor, con l'assistenza tecnica di Louis & Bebe Barron.

La partitura è un grafico a blocchi su carta millimetrata in cui ogni quadrato equivale a 3" (pollici) di nastro. Sono notate solo durata e ampiezza, senza indicazioni di quale frammento debba essere utilizzato. Quest'ultima indicazione dovrà essere generata tramite l'I Ching.

Cage compone Williams Mix. Questo brano è formalmente analogo a Imaginary Landscape 5, ma si basa su loop e richiede circa 600 registrazioni suddivise in 6 categorie: rumori di città, rumori di campagna, suoni elettronici, suoni generati manualmente (compresi frammenti musicali storici), suoni deboli che richiedono una amplificazione extra per essere uditi.

Nella partitura, il materiale è distribuiti su 8 linee, ognuna delle quali corrisponde a una traccia di nastro. La partitura è in grandezza naturale per cui è possibile misurare la lunghezza di ogni frammento di nastro da tagliare e inserire.

Larry Austin later created a computer program, the "Williams (re)Mix(er)", based on an analysis of ""Williams Mix"", which could "yield ever-new Williams Mix scores." With this software, Austin created Williams (re)Mix[ed] (1997–2000), an octophonic variation of Williams Mix using different sound sources.

In 2012, Tom Erbe became the first person to recreate "Williams Mix" from the original score, entering each tape edit from the 193 page score into the computer, and creating performance software carefully following Cage's notes.[7] Erbe's debut performance of "Williams Mix" was on Cage's 100th birthday, September 5, 2012, at Fresh Sound in San Diego.

Video: Williams Mix

Nel 1952 e nel 1958 Maderna scrisse due brani a cui dette lo stesso titolo, Musica su due dimensioni.

Il primo venne realizzato presso lo Studio per la musica elettronica di Colonia, in collaborazione con Werner Meyer-Eppler. Qui il concetto di doppia dimensione si riferisce all'uso sia di tecniche seriali che di tecniche riprese dalla polifonia cinquecentesca. Prima esecuzione il 21 luglio 1952 ai Ferienkurse für Neue Musik di Darmstadt.

Nel secondo brano del '56, per flauto e nastro magnetico, realizzato presso il neonato Studio di fonologia di Milano, le due dimensioni riguardano i suoni emessi da strumenti tradizionali e quelli prodotti a mezzi elettronici.

È, infatti, il primo brano in assoluto a prevedere l'interazione tra un musicista dal vivo e un nastro registrato con suoni elettronici.

Stockhausen compone Étude presso lo studio di Schaeffer. Si tratta di musica concreta. I suoni base sono stati ottenuti da una corda bassa di pianoforte preparato, poi tagliati e trasposti con il phonogène.

Tape music negli USA: Luening compone Low Speed, An Invention on a Twelve-Tone Theme, Fantasy in space. Ussachevsky realizza Sonic contours.

Cage compone il suo brano silenzioso: 4'33" in 3 movimenti, per qualsiasi ensemble.

È interessante notare come questo brano non sia la prima composizione silenziosa nella storia della musica. Ciò nonostante, è diventato famosissimo, tanto da essere la composizione di Cage più ricercata in rete (in base a un test del 2006) e descritta nel New Grove Dictionary of Music and Musicians come la "most famous and controversial creation" di John Cage.

Stockhausen compone lo Studie I a Colonia.

Con questo brano i principi del serialismo vengono applicati alla musica elettronica.

Stockhausen compone lo Studie II.

Come nello Studie I, si tratta di musica totalmente elettronica in cui cerca di realizzare pienamente le istanze del serialismo integrale estendendolo anche al timbro.

Gli Studie sono deludenti dal punto di vista sonoro (si dice che, all’ascolto, Adorno abbia affermato "sembra Webern suonato da un organetto elettrico").

Si nota subito quanto sia difficile costruire dal nulla eventi acustici che possano apparire significativi per il nostro esigente sistema percettivo.

Hiller e Isaacson scrivono alcuni software per la composizione algoritmica mediante i quali un computer viene messo in grado di comporre musica in diversi stili.

Il loro lavoro si concretizza nella Suite ILLIAC per quartetto d'archi (ILLIAC è la macchina utilizzata).

Il sintetizzatore Mark II è il successore del Mark I che aveva riscosso un notevole successo.

In questa versione, la sezione di generazione è stata potenziata passando da 12 a 24 generatori, sono stati aggiunti filtri LP e HP, oltre a noise, glissando, vibrato e resonance.

Nel 1957 sarà installato presso il Columbia-Princeton Electronic Music Center che lo acquisterà nel 1959.

Usato con profitto da Milton Babbitt, l'apparecchio è ancora conservato, ma non più funzionante.

Uno dei registratori contiene materiali tratti da precedenti esecuzioni anche tagliati e manipolati dal compositore, mentre il secondo registra parti dell'esecuzione in corso che potranno essere rimandate durante l'esecuzione. Alla fine, il materiale di questo secondo registratore, eventualmente tagliato e manipolato, potrà essere aggiunto al nastro del primo registratore.

Leslie Norman e Frank Bradley Realizzano il Mellotron.

Come il precedente Chamberlin, anche il Mellotron sfrutta una banco di nastri magnetici - di standard proprietario 3/8" - sui quali sono depositati, in sincronizzazione, tre file audio paralleli di esecuzione cromatica per diversi strumentisti.

Il musicista può selezionare quale traccia ascoltare, variando quindi l'ascolto polifonico delle tracce messe in esecuzione attraverso un complesso meccanismo di trascinamento del nastro e suo recupero a molla.

Terry Riley compone In C, un brano per qualsiasi ensemble, a forma aperta (la partitura comprende 53 brevi frammenti melodici e le istruzioni per l'esecuzione).

Considerato uno dei primi esempi di minimalismo americano, questo brano è molto noto ed ha avuto moltissime esecuzioni da parte dei più svariati gruppi orchestrali composti da professionisti, ma anche da studenti o semplici amatori.

Luigi Nono compone La fabbrica illuminata, testi Giuliano Scabia e Cesare Pavese (1964 al Teatro La Fenice di Venezia) per soprano e nastro magnetico a quattro piste.

Negli anni seguenti Nono realizzerà allo studio di Milano vari brani per nastro magnetico, con o senza strumenti.

Fra questi citiamo: Ricorda cosa ti hanno fatto in Auschwitz (1966), A floresta è jovem e cheja de vida (1966), Per Bastiana – Tai-Yang Cheng (1967), Contrappunto dialettico alla mente (1968), Musica-Manifesto - Un volto, del mare - Non consumiamo Marx (1969), Como una ola de fuerza y luz (1972), …sofferte onde serene… (1976)

Peter Zinovieff, Tristram Cary e David Cockerell fondano gli Electronic Music Studios.

Nella fase principale, l'attività degli EMS è interamente concentrata sulle funzioni di generazione, acquisizione e risintesi del suono ottenibile attraverso linguaggio MUSYS sviluppato internamente a EMS e fatto girare sul computer PDP proprietà di Zinovieff.

Successivamente, per fare cassa, EMS intraprende la produzione commerciale di sintetizzatori analogici "semplici" (Portabella, VCS-3, AKS, 1971) e più complessi (Synthi 100).

Unico tra i produttori di apparecchiature per la sintesi analogica, il marchio non è mai uscito dal mercato ed è attivo ancora oggi.

Don Buchla commercializza il sistema modulare Buchla System 100, che ha avuto tre anni di sviluppo. Nato per rispondere alle esigenze di Ramon Sender, Morton Subotnik e Pauline Oliveros - il San Francisco Tape Music Center - concentra inizialmente le proprie funzionalità sulla generazione di semplici toni triangolari o impulsivi processati attraverso un sistema di lopass gate in tecnologia Vactrol.

Punto di forza è la disponibilità immediata di un sequenziatore di note completamente programmabile dall'utente.

Dopo il System 100, Buchla sviluppa il più evoluto System 200 - in anni recenti, rinvigorito da una forte implementazione digitale (modello 200e) e una serie di apparecchi non modulari come Music Easel (1971), Touche. La produzione comprende anche raffinati controller gestuali (Thunder, Ligthning) e lettori di tastiera pianistica (MIDI PianoBar, sviluppata in collaborazione con Bob Moog).

L'elettronica entra nella popular music con gli album The Piper at the Gates of Dawn (Pink Floyd), Anthem of the Sun (Grateful Dead) e Uncle Meat (Frank Zappa).

Ovviamente la popular music resta legata ai propri canoni. Nella pop music, il lavoro sul suono è molto più limitato rispetto all'elettroacustica. Il musicista pop utilizza una macchina per i suoni che ha già e non è interessato a crearli da zero. Di conseguenza, l'entrata dell'elettronica nella popular music avviene mediante l'adozione di strumenti tipici dell'elettronica, scelti per le sonorità che offrono (dapprima delay e riverberi, poi il sintetizzatore, di cui si sfruttano esclusivamente le sonorità pre-programmate).

Nella maggior parte dei casi, tutto si riduce all'infarcire di effetti delle canzoni, la cui struttura rimane tradizionale. Dall'elettroacustica si importa semplicemente l'atmosfera, che viene spesso associata a visioni lisergiche.

Esiste, in effetti, qualcuno che tenta di avvicinarsi alla musica contemporanea accademica, ma i risultati sono banali, riducendosi a qualche collage concreto o alla mimesi di brani di qualche autore "colto" (negli anni '70, Ligeti sarà uno dei più citati, soprattutto dalla cosiddetta Kosmische Musik tedesca, grazie anche al film 2001 A Space Odissey).

I risultati più validi, a mio avviso, vengono da quelli che hanno la lucidità di studiare alcune modalità di lavoro tipiche dell'elettroacustica e di contaminare con queste la struttura della canzone. Primi fra tutti i Beatles che, nel 1966, a chiusura dell'album Revolver, piazzano un brano come Tomorrow Never Knows formato da una base di loop, circa 5 sovrapposti, su cui viaggiano voce e chitarra. In realtà i Beatles sono ricorsi spesso a importazioni di questo tipo per scardinare la struttura della canzone (basti citare Being for the benefit of Mr. Kite e A day in the life)

In seconda battuta, è doveroso citare i Kraftwerk, che, dopo un inizio più legato alla sperimentazione, si sono creati un'identità basata su un technopop robotico, semplice ed estremamente minimale, fatto di suoni elettronici e di effetti, ma sempre saldamente ancorato al sistema tonale.

• 7 clavicembali dal vivo,
• 52 nastri magnetici con suoni tipo clavicembalo sintetizzato via computer che eseguono materiali basati su temperamenti che vanno da 5 a 56 divisioni per ottava,
• 52 canali di audio amplificato,
• filmati NASA di voli spaziali distribuiti su 7 proiettori,
• 6400 diapositive visualizzate da 80 proiettori su uno schermo circolare lungo più di 100 metri

Little Boy è un'opera teatrale del commediografo francese Pierre Halet. Tema centrale dell'opera è il ricordo del bombardamento di Hiroshima da parte di Eatherly, il comandante di uno degli aerei di ricognizione, incaricati di valutare le condizioni meteorologiche sui possibili obiettivi. Fu lui a scegliere Hiroshima, ma lui stesso ignorava la potenza dell'ordigno: era infatti convinto che quella fosse una missione come tante altre. Rimase terrorizzato dall'esplosione quando vide sparire Hiroshima dentro una nube gialla. Solo al suo ritorno alla base di Tinian seppe della devastazione e della grande perdita di vite umane causate dallo scoppio.

Alla fine del conflitto, oppresso dal rimorso, si congedò dall'aviazione, rifiutando la pensione. Iniziò ad avere incubi, svegliandosi di soprassalto e gridando "Gettatevi, gettatevi: arriva la nuvola gialla!". Più tardi tentò il suicidio e venne ricoverato in un ospedale psichiatrico e qui iniziò una sequenza fatta di ricoveri, uscite, comportamenti distruttivi, altri ricoveri e trattamenti psichiatrici.

Trovò un po' di pace solo negli anni '60, dopo aver scritto una lettera di scuse ai superstiti in cui descriveva il suo dolore, il suo rimorso e la sua vita dopo quella ricognizione. I superstiti di quell'inferno gli risposero che in fondo lui era solo un'ennesima vittima di Hiroshima. L'ex pilota si sentì più sollevato dopo essersi riappacificato con il suo passato e visse meglio fino alla sua morte, nel 1978.

Alan Robert Pearlman commercializza il sintetizzatore ARP 2500 Modular Synthesizer. In voluto contrasto con gli standard Moog, le macchine ARP privilegiano l'impiego di selettori a slitta, potenziometri lineari e oscillatori termostatati.

Nel corso degli anni, vengono sviluppati grossi sistemi modulari ARP 2500 (impiegati anche nelle riprese di "Incontri ravvicinati del terzo tipo"), sistemi semi modulari ARP 2500 e piccoli strumenti integrati Odyssey (1971) in diretta concorrenza con il Moog Minimoog Model D.

Il suono ARP rimane, sempre, alternativo a quello più caratterizzato Moog, con maggior finezza espressiva e maggior stabilità nelle prestazioni.

Dopo anni, ARP si imbarca nelle fallimentari operazioni del guitar synthesizer Avatar e nel progetto ARP Piano analogico che la porteranno al fallimento. Sopravvive il progetto analogico, polifonico e politimbrico Chroma - sotto controllo di un Apple IIe - che verrà rilevato da Rhodes e commercializzato nel catalogo CBS.

Gli anni ‘70 segnano l’entrata dei sintetizzatori analogici nella produzione di massa che raggiungerà il suo culmine nella seconda metà del decennio, per virare, poi, negli anni ‘80, verso la produzione digitale.

Ovviamente, l'industria privilegia i prodotti di facile utilizzo e prezzo ridotto, per cui l’effetto principale della commercializzazione non è quello di favorire la sperimentazione, bensì di ridurla al minimo proponendo delle macchine economiche e ricondotte entro i collaudati binari del sistema tonale e del paradigma dell’orchestrazione. Sebbene esistano alcune eccezioni, la maggior parte dei sintetizzatori di produzione industriale indirizzati al grande pubblico ha, innanzitutto, una tastiera con 12 semitoni per ottava e difficilmente o in nessun modo accordabile diversamente. Inoltre, si basa sul paradigma dell’orchestrazione, cioè sull'organizzazione della macchina come insieme di strumenti gestiti singolarmente, che, nel synth, assumono l’aspetto di preset.

Così, tutto ciò che, nel sintetizzatore analogico classico, consentiva di lavorare in diretta sul suono, come la matrice di connessioni, la possibilità di connettere via cavo tutto con tutto, i molti potenziometri a vista, la possibilità di definire arbitrariamente l’intervallo fra un tasto e l’altro, la gestione del suono svincolata dalla tastiera etc. viene relegato ai costosissimi modelli di alto livello, prodotti principalmente per questioni di prestigio, ma scompare totalmente dalle macchine medio-basse, fino a produrre la tipica "tastiera”, cioè un oggetto in grado di generare varie timbriche programmabili e selezionabili (preset), senza alcuna possibilità evolutiva o processuale, esattamente come gli strumenti tradizionali (e anche meno).

In pratica, l'idea è di dare ai musicisti dei suoni nuovi con cui rifare le solite cose. Molto semplicemente, un nuovo strumento viene forzato a fare il lavoro dei vecchi.

La teoria della sintesi per modelli fisici affonda le sue radici nella storia della fisica, da Newton in poi. Da sempre, infatti, si è cercato di creare dei modelli matematici di fenomeni reali, ivi compresi i corpi vibranti.

Un inizio mirato, tuttavia, può identificarsi nell'articolo di Hiller, L. e Ruiz, P. "Synthesizing Musical Sounds by Solving the Wave Equation for Vibrating Objects", pubblicato sul Journal of the Audio Engineering Society nel 1971. All'epoca, però, le risorse computazionali erano troppo scarse per applicare a una elevata frequenza di campionamento una teoria che includesse equazioni differenziali. Solo nel 1983 troveremo una parziale applicazione di queste idee nell'algoritmo di Karplus-Strong.

Da qui in poi, gli studi e le applicazioni dei modelli di corpi vibranti e risonanti sono numerosi e si possono trovare nei sistemi di sintesi utilizzati per la ricerca e la composizione accademica (Csound, Max, Super Collider) anche se con risultati non del tutto soddisfacenti, almeno alla data attuale, in quanto il nostro esigente sistema percettivo richiede il trattamento di una elevata quantità di parametri. Di conseguenza, anche le applicazioni commerciali in questo campo sono poche e i tentativi effettuati, per es., da Yamaha e KORG, hanno palesato evidenti limiti.

Kim Ryrie e Peter Vogel commercializzano il sistema Qasar M8, che diventerà il nucleo del futuro Fairlight CMI.

L'anno successivo, viene messo in produzione il Fairligth CMI Series I, un sistema proprietario di campionamento, sintesi additiva a 40 armoniche con light pen per il tracciamento grafico, organizzazione degli eventi su griglia ritmica e in command line (Page R), tastiera musicale, tastiera alfanumerica.

Le otto voci di polifonia sfruttano architettura a 12 bit per campionare fino a 2 secondi di segnale ciascuna. L'apparecchio diventa, in breve, uno standard della produzione elettronica "di moda" e, a fronte di un costo impegnativo, viene utilizzato in innumerevoli produzioni per tutti gli Anni 80.

Nel 1982, viene presentato il modello Fairligth CMI Series II e, nel 1985, il modello Series III, progressivamente più potenti.

John Appleton, Sidney Alonso e Cameron Jones mettono a punto il sistema Synclavier I al Dartmouth College.

Originalmente concepito come sistema digitale in FM a quattro operatori, il Synclavier è sottoposto a periodici incrementi nelle prestazioni che vedono, negli anni successivi, l'introduzione di un digital sequencer a sedici tracce multitimbrico, printing option per la stampa musicale con editing a schermo, sampling option - prima monoaurale poi polifonica, a 50 kHz.

Successivamente, sono commercializzate le versioni Synclavier II e Synclavier 32, 64 e 96 differeniziate per numero di Mb disponibili sul campionamento/registrazione multitraccia virtuale.

Roland commercializza il sequencer MC-8 Micro Composer concepito da Ralph Dyck. L'apparecchio permette la scrittura di otto linee indipendenti per intonazione, articolazione e "multiplexing" per il controllo di eventi paralleli in articolazione. La scrittura avviene solo attraverso tastierino numerico incorporato; il salvataggio dati è effettuato tramite tape interface; la sincronizzazione con il nastro magnetico è di tipo FSK-Frequency Shifting Key a doppia frequenza o con formato DIN pentapolare TTL 24 impulsi per quarto. Successivamente, viene realizzata una più compatta versione MC-04 a quattro tracce, usata - tra gli altri - da Hans Zimmer e Landscape per la programmazione.

Il produttore Martin Rushent, nel 1981, userà il sequencer MC-04 per programmare interamente il brano "Don't You Want Me" degli Humans League, il primo brano non suonato da umani a raggiungere la prima posizione in classifica.

• generazione: 256 unità con oscillatori tabellari completi di inviluppi di ampiezza e frequenza;
• elaborazione: 128 unità ognuna delle quali può essere un filtro del secondo ordine, un generatore di random numbers, un modulatore di ampiezza o altre funzioni;
• delay: 32 unità di ritardo.

UPIC (Unité Polyagogique Informatique CEMAMu) è un tool di composizione assistita da computer ideato da Iannis Xenakis e sviluppato presso il CEMAMu (Centre d'Etudes de Mathématique et Automatique Musicales) a Parigi.

Il sistema consente di tradurre in suono dei disegni fatti con una tavoletta grafica.

Con l'UPIC, Xenakis comporrà Mycenae Alpha nel 1978

Philips e Sony presentano lo standard Compact Disc (CD) per l'audio (SR 44100 a 16 bit stereo).

Anche in questo caso, l'industria musicale non brilla per lungimiranza. Pur avendo la possibilità di definire un nuovo standard che, oltre all'audio, potrebbe ospitare anche testo e immagini, l'industria propone una semplice versione digitale del vecchio LP.

Il CD audio, infatti, non ha un file system e non supporta nessun file oltre alle tracce audio che, peraltro, possono essere soltanto inserite in sequenza a riprodurre la sacra spirale del vinile. Non si possono nemmeno inserire dei tag con titolo, autore, etc. Come nel vinile, tutte queste informazioni sono relegate all'etichetta stampata direttamente sul CD, che, oltretutto, risulterà essere la principale causa di obsolescenza, grazie alla bassa qualità degli inchiostri.

Comunque le major si lanciano con entusiasmo nel digitale, attratte dai guadagni astronomici che derivano dalla ristampa di tutti i vecchi materiali praticamente senza spese di produzione, per iniziare poi a lamentarsi quando si rendono conto che l'informatica si evolve e il CD diventa facilmente copiabile.

realizzato all'IRCAM nel 1980 è un punto di riferimento per i compositori interessati al Digital Signal Processing. La composizione è basata sul suono della grande campana tenore della cattedrale di Winchester e sulla voce del figlio di Harvey, corista.

Le frequenze e la struttura temporale dell'opera sono interamente basate sul ricco ed irregolare spettro armonico della campana. Ognuna delle 8 sezioni è basata rispettivamente sulle principali 8 parziali inferiori.

Gli accordi sono costruiti da un repertorio di 33 parziali e la modulazione tra le differenti aree dello spettro avviene con glissandi. La costante trasformazione tra il suono vocale e quello della campana unifica i materiali contrastanti.

Il brano è in 8 canali.

Syntauri Corporation produce il sistema alphaSyntauri.

Trattasi di due schede prodotte dalla Mountain Computer Music Systems, collegate fra loro con un ponte, che vanno inserite in due slot contigui dell’Apple IIe/II+, più una tastiera a 5 ottave collegabile alle schede stesse.

Le schede generano fino a 16 oscillatori in look-up table e relativi inviluppi. Viene fornito il software di gestione che comprende anche un sequencer a 16 tracce.

Il sistema, pur restando proprietario, era aperto: le specifiche erano note e chiunque poteva programmarlo.

Di Giugno costruisce la 4X all’IRCAM: un sistema modulare ormai maturo per la produzione musicale in tempo reale.

Con questa macchina verrà realizzata Répons di Pierre Boulez e molte altre composizioni di diversi autori. Sarà commercializzata da Sogitec

L'industria musicale adotta il MIDI, un protocollo di comunicazione e controllo per collegare personal computer e sintetizzatori. Nel 1983 esce la prima tastiera MIDI: il Prophet 600.

Il MIDI, comunque, è uno standard di origine industriale e come in altri casi, testimonia l’assenza di lungimiranza dell’industria musicale. Di fronte alla possibilità di creare un linguaggio in grado di delineare il futuro, l’industria si arrocca nel presente e crea un protocollo

• soltanto performativo,
• che trasmette solo le azioni dell’utente,
• privo di comandi,
• che non capisce lo scorrere del tempo,
• che non include alcun aspetto compositivo,
• limitato ai semitoni,
• con risoluzione numerica a 8 bit (qualche messaggio extended, a 2 byte, esiste, ma è raramente implementato)
  
• legato alla velocità e alla precisione dei processori dell’epoca
• circoscritto irrimediabilmente a 16 canali.

A tutt’oggi, a più di 30 anni di distanza, non è stato mai possibile migliorarlo.

Sebbene abbia una certa utilità dal punto di vista funzionale, il protocollo MIDI è una palla al piede che affligge tutte le macchine industriali e costituisce una delle principali barriere all’utilizzo dei sintetizzatori commerciali nella musica sperimentale.

Kevin Karplus e Alex Strong pubblicano “Digital Synthesis of Plucked String and Drum Timbres” in cui è descritto quello che sarà più noto come algoritmo di Karplus-Strong utilizzato, con diverse migliorie, soprattutto per la sintesi di corde pizzicate.

Si tratta di una tecnica di sintesi sottrattiva basata sulla retroazione (feedback loop) con un filtro passabasso nel loop, ma è anche uno dei primi tentativi di passare da un modello di sintesi che riproduce l’effetto a uno che tenta di ricostruire il modello del processo che ha portato alla formazione di una determinata sonorità e della sua evoluzione temporale.

Per questa ragione è spesso considerato il primo esempio di sintesi per modelli fisici realmente funzionante.

Video: Prometeo (estratto), Teatro Farnese, Parma, 26 Maggio 2017.

Mark Of The Unicorn commercializza il MIDI sequencer Performer per Apple Macintosh.

Lo stesso anno, segue il programma di scrittura musicale Composer, sempre per Apple Macintosh.

Barry Vercoe compila CSound, un linguaggio di programmazione indirizzato all'audio, con struttura modulare, derivato dai software della serie Music.

Essendo scritto in C, open source e free, ha potuto godere di una nutrita comunità di sviluppatori e di utenti ed è tuttora il linguaggio di gestione audio con il maggior numero di opcodes (oggetti per la generazione e il trattamento del suono).

Sviluppato in origine per la sintesi in tempo differito, la versione attuale funziona anche in tempo reale.

I laboratori Dolby introducono il Dolby SR (Spectral Recording).

Si tratta di un sistema di codifica del segnale audio multicanale che include il sistema di riduzione di rumore Type B Dolby Noise Reduction sviluppato nel 1968.

Audio Engineering Society e European Broadcasting Union introducono il formato digitale AES/EBU; successive revisioni nel 1992 e 2003.

L'AES/EBU è un formato standard per l'audio digitale, usato per interfacciare tra di loro diversi dispositivi.

Vengono pubblicate le specifiche del formato R-DAT digital audio tape.

Il DAT è tuttora utilizzato dai grandi broadcaster in tutto il mondo. È inoltre largamente utilizzato nel mondo del cinema come sincronizzazione del master finale e naturalmente nella radiofonia, soprattutto quella pubblica. È anche utilizzato nella masterizzazione in campo musicale, ma commercialmente fu un flop, in parte perché costoso, ma soprattutto perché con la facilità con cui permetteva la riproduzione di materiale audio minava seriamente alla base il mercato discografico e la tutela del copyright. Nessuna casa discografica si accollò quindi il rischio di promozioni vantaggiose che incentivassero da parte dei consumatori l'adozione di questo standard.

Fu invece più utilizzato nel campo informatico, grazie alla sua capienza, soprattutto per realizzare copie di backup o archiviare file di grandi dimensioni, per essere infine soppiantato dalla diffusione del masterizzatore per CD.

Yamaha produce il Disklavier.

Si tratta di un vero pianoforte equipaggiato con sensori e solenoidi.

I primi consentono di rilevare i dati di esecuzione e inviarli via MIDI mentre i secondi permettono di azionare i tasti da remoto, sempre utilizzando il protocollo MIDI

Peter Gotcher e Evan Brooks di Digidesign commercializzano il software Sound Tools.

Due anni dopo, con l'aumento delle tracce simultaneamente disponibili (prima due, poi quattro, poi virtualmente senza limite), si arriva alla prima versione di Pro Tools che, per molti anni, rimane solo un multitraccia audio e solo con molto ritardo rispetto alla concorrenza si apre anche alle tracce MIDI e Instrument.

Oggi, dopo l'acquisizione da parte di Avid, è uno degli strumenti software più usati per l'elaborazione e la produzione digitale di musica, a livello professionale.

Centro di ricerca, produzione e didattica musicale, fondato da Luciano Berio.

Si occupa del rapporto tra musica e nuove tecnologie e della diffusione della musica di ricerca. Dal 2013 è diventato un Ente di rilevanza per lo spettacolo dal vivo della Regione Toscana. Il suo archivio ha ottenuto dalla Sovrintendenza dei Beni Archivistici della Toscana il riconoscimento di interesse storico particolarmente importante.

Approfondimento:
Sito di riferimento

1.     Sud I et II, de Jean-Claude Risset
2.     Phone de John Chowning
3.     Effraction I de Michel Redolfi
4.     Dérives I et II de Jean-Claude Risset
5.     Dérives III de Jean-Claude Risset
6.     Effraction II de Michel Redolfi
7.     Sud III de Jean-Claude Risset

KORG commercializza il sintetizzatore digitale polifonico M1 in sintesi Advanced Integrated. Come spesso accade nei prodotti industriali, si tratta di una etichetta insensata per caratterizzare un prodotto. In realtà l'M1 utilizza una cospicua quantità di segnali digitali ospitati in ROM che viene sottoposta a trattamento sottrattivo, con filtri FIR non risonanti, per la generazione di otto voci di polifonia multi timbrica.

Il sequencer di bordo può essere caricato in tempo reale o passo dopo passo. Lo strumento subisce infinite variazioni, aggiornamenti e potenziamenti all'interno delle successive versioni M-Series, poi 01-Series, per poi confluire negli strumenti "workstation" (Triton/Trinity) che appaiono nel decennio successivo.

Miller Puckette, poi con David Zicarelli, scrive il programma Max/MSP (attualmente Max).

Max/Msp è un linguaggio di programmazione a flusso di dati, supportato da un ambiente di sviluppo grafico per la progettazione di software dedicati ad applicazioni musicali e multimediali in tempo reale.

Ad oggi è uno degli strumenti informatici più evoluti ed utilizzati tra coloro che, a vario titolo. si occupano di computer music.

Apple introduce il formato AIFF audio interchange file format.

Il formato è stato sviluppato basandosi sull'Interchange File Format della Electronic Arts ed è comunemente utilizzato sui sistemi Apple Macintosh.

I dati audio nel file AIFF non sono compressi. Esistono tuttavia formati compressi, detti AIFFC (AIFF Compressed) che possono ridurre le dimensioni del file di un terzo (AIFF3) o di un sesto (AIFF6), ma ne risulta una grossa perdita di qualità, per cui non vengono praticamente utilizzati.

Risset compone Duet pour un pianiste: Huit Esquisses.

Si tratta di un brano per Disklavier (pianoforte MIDI) e computer. Il computer riceve i dati di esecuzione del pianista e reagisce secondo diversi algoritmi generando un’altra parte, da cui il titolo: Duetto per un pianista (interazione bidirezionale piano – computer)

Alesis lancia il formato ADAT (Alesis Digital Audio Tape) che consente di registrare contemporaneamente 8 tracce di audio digitale su Super VHS.

Nonostante ciò fosse consentito già da alcuni precedenti dispositivi, le macchine ADAT sono state le prime ad implementare un sistema molto preciso di temporizzazione dei campioni.

Recentemente è stato sviluppato l'ADAT su fibra ottica, chiamato ADAT Lightpipe.

Per le specifiche tecniche, è necessario consultare il manuale della singola macchina.

Apple introduce il formato multimedia Quick Time.

QuickTime è il nome che Apple Inc. ha dato all'architettura del suo sottosistema di visualizzazione e al suo formato di file proprietario, molto diffuso su sistemi Macintosh.

Si tratta è un formato file "contenitore", che può racchiudere video, audio, immagini virtuali e altri tipi di informazioni multimediali.

Attualmente supporta MPEG-1, 2, 4 WMV, Theora, Flash per il video; MP3, WMA, Vorbis, AC3, DTS, FLAC per l'audio.

Microsoft introduce il formato RIFF (resourche interchange file format) pensato per scambiare file di varo tipo fra i software in grado di gestirli.

Si basa sull'Electronic Arts Interchange File Format, introdotto nel 1985 sul Commodore Amiga.

A partire dal RIFF verranno realizzati parecchi formati specifici, come il NIFF, per la notazione musicale e il WAV per i file audio.

Truax compone Basilica elaborando i suoni delle campane della basilica di Quebec City.

Le tre campane si sentono sia all'altezza originale, che con trasposizioni all'ottava inferiore e alla dodicesima superiore, ma queste versioni sono dilatate nel tempo, spesso a venti o più volte la durata originale.

Le versioni estese permettono all'ascoltatore di ascoltare le armoniche interne delle campane e di muoversi all'interno del suono come se si entrasse nel grande spazio della chiesa stessa.

A seguito di una ricerca iniziata nel 1988 da parte di un gruppo di esperti MPEG, presieduto da Leonardo Chiariglione di CSELT e alle proposte presentate da varie industrie del settore, si arriva alla definizione dello standard MPEG-1 layer I, II e III. Il layer III audio (che dal 1997 viene chiamato MP3) si deve in particolare al lavoro di Karlheinz Brandenburg di Fraunhofer-Gesellshaft, che ha trattato l'argomento nella sua tesi di dottorato.

Nel marzo 1992 lo CSELT di Torino dimostrò la prima versione funzionante del sistema MPEG-1, sia in locale, che in rete. MPEG approvò in via definitiva lo standard ISO/IEC 11172-3 a novembre 1992.

Un'ulteriore fase del progetto MPEG Audio si concluse nel 1994 con la creazione dell'MPEG-2, definito come standard internazionale con il codice ISO/IEC 13818-3 e pubblicato nel 1995.

Approfondimento:
MPEG1-Audio
MP3 (MP1 layer III)

Philips e Sony lanciano il formato digitale MiniDisc stereo con riduzione dei dati ATRAC.

Si trattava di un supporto digitale magneto-ottico per la registrazione e riproduzione di informazione audio dismesso nella primavera del 2013

Il NIFF (Notation Interchange File Format), è un formato per la notazione musicale ed è utilizzato principalmente per trasferire file fra diversi software di notazione.

Si basa sulle precedenti ricerche RIFF.

Attualmente NIFF è considerato obsoleto, in favore del più recente e completo MusicXML.

Yamaha prouce il VL1, primo sintetizzatore commerciale a modelli fisici basato sui modelli sviluppati da Julius Smith III.

Questo approccio, pur apprezzabile, richiede grande potenza di calcolo e si rivela inadatto a una macchina commerciale con limiti di prezzo.

Nel 1997 ci proverà anche KORG con lo Z1 ma, in entrambi i casi, la lentezza del processore di bordo limiterà la versatilità performativa.

Doepfer commercializza i primi moduli del sistema A-100 Euro Rack.

Nel corso di un ventennio, il formato Euro Rack riunisce più di trecento costruttori diversi, che aderiscono agli standard elettro meccanici di Doepfer e producono una quantità soverchiante di moduli analogici, digitali, ibridi.

Oggi, lo standard Euro Rack è quello più affermato nella sintesi modulare hardware.

James McCartney crea il software SuperCollider, un ambiente di sviluppo e un linguaggio di programmazione per la sintesi audio in tempo reale e la composizione algoritmica.

Da allora, si è evoluto in un sistema utilizzato e, successivamente, sviluppato sia da scienziati che da artisti che lavorano col suono. Si tratta di un linguaggio di programmazione dinamica efficiente ed espressivo che offre un framework per la ricerca acustica, musica algoritmica e programmazione interattiva.

Rilasciato sotto licenza GNU nel 2002, SuperCollider è un software libero. La versione più recente (3.6.5) è stata distribuita nell'aprile 2013.

A partire dalla versione 3, l'ambiente di sviluppo di SuperCollider è stata divisa in due componenti: un server (scsynth) e un client (sclang). Questi componenti comunicano tramite OSC (Open Sound Control).

Miller Puckette rilascia il software PureData (PD), un linguaggio di programmazione a flusso di dati con interfaccia grafica, molto simile a Max/MSP, creato da Miller Puckette. Sviluppato a partire da Patcher negli anni novanta è un progetto open source rilasciato sotto licenza BSD.

Oltre a manipolare flussi audio, il software permette di gestire immagini e video tramite OpenGL. Offre supporto MIDI e la possibilità di comunicare tramite FUDI, un protocollo di rete sviluppato da Puckette.

Sony e Philips commercializzano lo standard S/PDIF (Sony/Phillips Digital Interface).

Si tratta di una versione più economica del formato AES/EBU che lavora con connessioni elettriche digitali (cavi coassiali o RCA) o digitali in fibra ottica (TOSLINK).

Viene introdotto il formato DVD, definito nel 1995.

Il DVD (Digital Versatile Disc) è il prodotto della cooperazione di alcune fra le maggiori aziende nel campo della ricerca e dell'elettronica di consumo: l'associazione d'imprese che si incaricò di redigere le specifiche del nuovo supporto, era infatti formata da Philips, Sony, Matsushita, Hitachi, Warner, Toshiba, JVC, Thomson e Pioneer.

Originariamente, erano previsti 3 formati:

• DVD-Video, destinato a contenere film, in sostituzione della videocassetta;
• DVD-Audio, pensato per sostituire il CD Audio;
• DVD-ROM, destinato a sostituire il CD-ROM.

Vede la luce la prima versione del formato XML eXtensible Markup Language che sarà sottoposta a parecchie revisioni prima di entrare nell'uso comune. Pur mantenendo il nome XML 1.0, la versione attuale, pubblicata nel 2008, è la quinta ed è quella maggiormente diffusa.

Esiste anche un XML 1.1 che contiene particolari caratteristiche legate ai mainframes e ai caratteri di controllo.

XML è un metalinguaggio per la definizione di linguaggi di markup, ovvero un linguaggio marcatore basato su un meccanismo sintattico che consente di definire e controllare il significato degli elementi contenuti in un documento o in un testo.

• Part 2 è un codec di compressione utilizzato nei formati DivX e Xvid
• Part 3 consiste di una quantità di codifiche audio (HVXC, CELP, AAC e altre)
  
• Part 10 è il codec H.264 detto anche Advanced Video Coding
• Part 14 è l'MP4 che è un container e non, come molti credono, un formato o un altro nome dell'MPEG-4

Native Instruments commercializza il programma Reaktor. La software house berlinese debutta con un editor per DSP farm dedicata chiamata Generator; successivamente, con la disponibilità di processori più potenti, l'hardware esterno viene abbandonato in favore del solo programma ribattezzato Reaktor.

Negli anni successivi, sono sviluppati numerosi altri applicativi: Pro52 e B4 (2000), Battery (2001), FM-7 (2002), Kontakt (2002); nel 2005, Vadim Zavalishin sviuppa il CoreLevel per Reaktor 5.x.

Nel 2006, sono commercializzati Massive e Absynth 5.x

Sony e Philips introducono il formato SACD (Super Audio CD) che utilizza la tecnologia di audio digitale DSD (Direct Stream Digital).

La tecnologia usata (DSD) è diversa dal PCM normalmente utilizzato dagli altri supporti di audio digitale e si basa sulla modulazione Sigma-Delta (ΣΔ o Delta-Sigma, ΔΣ) che consente di riprodurre la forma d'onda con maggiore accuratezza e fornire un'immagine del suono più definita.

La frequenza di campionamento è 2.8224 MHz a 1 bit, (64 volte più alta di quella del normale CD ma solo con 1/32768 della sua risoluzione) e la risposta in frequenza arriva fino a 100 kHz, la gamma dinamica fino a 120 dB. Inoltre supporta audio in formato stereo e 5.1.

Purtroppo, però, necessita di un lettore diverso da quello del CD o del DVD e quindi la sua diffusione, finora, è limitata e la sua vita è molto incerta (potrebbe anche sparire). Può essere abbinato, in un supporto multistrato, ad un CD audio normale per creare un disco ibrido che può essere letto anche nei normali lettori CD, ovviamente con la vecchia qualità CD.

Esce il DVD Point Line Cloud di Curtis Roads, già noto per i suoi contributi allo sviluppo della sintesi granulare con il testo Microsounds.

Robert Henke fonda il marchio Ableton e commercializza la prima versione del programma Ableton Live.

Si tratta un software di produzione musicale molto versatile. Le sue peculiarità d'uso lo hanno reso in molti casi preferibile ad altri sequencer storici ma pensati per un utilizzo da studio.

Come il nome stesso lascia capire, Live è pensato tanto per la composizione in studio quanto per l'esecuzione di performance live: è sufficientemente versatile per consentire la creazione di "metodi d'utilizzo" diversi, a seconda che si usi con fonti in ingresso, controller midi, effetti esterni, mixer o quant'altro.

Vede la luce la prima revisione del codec FLAC free lossless audio codec.

FLAC (Free Lossless Audio Codec) è un codec audio libero con compressione dati lossless cioè senza perdita di qualità.Raggiunge rapporti di compressione dell'ordine del 30-50%

A partire dal mese di dicembre 2008 la prestigiosa casa discografica Deutsche Grammophon, che sin dai primi anni del Novecento pubblica esclusivamente musica classica, ha incominciato a rendere disponibili, per il download a pagamento, i propri titoli in formato FLAC.

Xiph.org Foundation introduce il formato Vorbis, poi supportato dal formato Ogg container (ricerca iniziata nel 1993).

Microsoft rilascia la versione 9 del codec WMA Windows Media Audio (orig. 1999). Questi nuovi codec audio non sono compatibili con il codec WMA originale.

I codec sono: Windows Media Audio 9 Professional, Windows Media Audio 9 Lossless e Windows Media Audio 9 Voice.

Cycling '74 rilascia il pacchetto Jitter di video interazione per Max.

Jitter, come Max, è un linguaggio a flusso di dati che consente di generare ed elaborare immagini e video in tempo reale connettendo oggetti, con lo stesso paradigma utilizzato da Max per l'audio. Di conseguenza, le immagini possono evolvere nel tempo esattamente come può farlo l'audio.

Inoltre, gli oggetti Max e Jitter possono coesistere nella patch e scambiare dati, permettendo all'audio di controllare aspetti dell'immagine e viceversa.

Dopo una battaglia commerciale con lo standard concorrente, HD DVD di Toshiba, Sony commercializza il sistema Blu-ray Disc.

Blu-ray stato progettato per soppiantare il DVD, in quanto, a differenza di quest'ultimo, è in grado di memorizzare contenuti in Full HD (1080p) e Ultra HD (2160p). Il disco di plastica ha le stesse dimensioni di CD e DVD. Il nome "Blu-ray" si riferisce al laser blu utilizzato per leggere il disco, che consente di memorizzare informazioni con una maggiore densità, rispetto al laser rosso usato per i DVD.

Il Blu-ray riesce a contenere fino a 200 GB di dati.

Apple rilascia il linguaggio di programmazione visuale Quartz Composer, compreso nel Mac OsX 10.4 Tiger.

Quartz Composer è un linguaggio di programmazione visuale incluso negli Apple Developer Tools dedicati al sistema operativo Mac OS X Tiger. Il linguaggio è indirizzato alla realizzazione di effetti visivi basati sull'utilizzo di componenti modulari che vengono assemblati per realizzare composizioni anche molto complesse.

Quartz Composer utilizza OpenGL, Core Image, Core Video e altre tecnologie incluse nel sistema operativo macOS coniugandolo con un paradigma di programmazione visuale. Apple ha integrato la tecnologia Quartz Composer profondamente nel sistema operativo. Le composizioni create con Quartz Composer possono essere eseguiti da ogni applicativo che integra la tecnologia QuickTime. Questi applicativi richiedono OS X 10.4 (o superiore) dato che i componenti integrati da QuickTime sono disponibili da quella versione.